翻看着旧画册的时候，一直在琢磨元代画风转变主要表现在哪些方面，之前看宋画看多了，总觉得两宋绘画那种精致入微的刻画，像是把天地万物原样搬上绢素，到了元代，整个绘画的重心一下子就偏移了。那时候不再执着于描摹物象外形，画家动笔，更多是借着山水竹木抒发自己心里的想法，而不是单纯复刻眼前所见的实景。
题材的取舍最先就能感受到差别。宋代宫廷画师偏爱宏大的全景山水、繁复的花鸟，追求物像的完整与细节的真实。入元之后，很多文人画家不再热衷于大幅的全景构图，偏爱小幅的山水、梅兰竹菊这类简单的物象。梅兰竹菊本身形体简单，不需要花费大量功夫去勾勒繁杂纹理，刚好适合用来寄托品格，不再追求画得和真实花草一模一样，重点变成借物抒情。不少前朝热门的人物故事画，在元代的创作数量明显回落，文人的兴趣已经转移到山水与花木身上。
笔墨用法的变化，是最直观的地方。宋画多用浓淡变化丰富的墨色层层渲染，线条工整严谨，轮廓清晰，笔墨是服务于造型的工具，不能跳脱出物象本身。元代画家把笔墨独立出来，线条本身就具备审美价值，干笔、飞白大量使用，不再一味追求细腻晕染。黄公望画山水，常常以淡墨打底，再用干笔反复皴擦，笔触松散随性，甚至会保留笔触本身的痕迹，不在乎山体轮廓是不是绝对精准。笔墨不再只是塑造形体的手段，笔墨自身的趣味，可以单独拿出来欣赏。
这只是我的个人感受，不是标准答案。我是对着画册一点点对比观察得到的体会，未必能覆盖全部流派，民间画师和宫廷遗存的作品，还有不一样的面貌。
画面的空间构图，也悄悄换了思路。北宋山水喜欢高远构图，高山巍峨占据整个画面，气势厚重，把观者带入真实可游可居的山川里。元代山水常常采用平远构图，画面留白变多，景物排布松散，不会把画面填满。很多作品没有完整连贯的实景逻辑，近处几株树木，远处一抹淡山，中间大片留白，空间不需要符合现实地理。留白不再单纯是背景，它承载意境，留给观看者自行联想，追求的是简淡空灵，而不是真实空间的还原。
还有诗文书法和绘画的融合，在元代真正成型。宋画里题字大多简短，位置也谨慎，不会侵占画面主体。元代文人画家习惯在画作空白处写下长篇题诗，书法和绘画放在同一幅作品里，字迹本身就是画面组成部分。画上题诗，用来交代作画心境、抒发感怀，诗、书、画三者合在一起，构成完整的表达。画作不再单单依靠图像传递信息，文字可以补足图像之外的情绪与思想。印章也开始频繁使用，成为画面的组成元素，这在宋代并不普遍。
审美追求从写实转向写意，背后是创作者身份的改变。元代很多核心画家不是宫廷供养的画师，大多是文人，不少人不愿出仕，绘画只是闲暇寄托情志的方式。他们不追求画作得到皇家认可，不用迎合宫廷审美标准，不用画宏大富丽的作品。作画的目的从状物、装饰，变成自我表达，看重内在意趣，外在形貌可以放次要位置。所以元代绘画普遍趋向简、淡、逸，避开浓艳色彩，水墨成为主流，重彩绘画慢慢淡出文人创作的视野。
色彩的取舍也很明显。两宋花鸟画、山水画，色彩层次丰富，青绿山水更是鲜亮厚重。元代文人画大多舍弃重彩，偏爱水墨单色，依靠墨色的干、湿、浓、淡来塑造层次。就算设色，也多用浅淡的赭石，也就是浅绛山水，色调温润素雅，不会有强烈视觉冲击。色彩不再用来还原景物本身颜色，只起到辅助烘托气氛的作用。
后世很多人学山水画，会直接取法元人，看重的就是这套笔墨与意境的思路。但元代绘画内部也不是铁板一块，民间画工依旧保留写实传统，只是主流文人绘画走向了写意的方向。
合上书页的时候，能清楚看到，这场转变不是单一技法改动，是题材、笔墨、构图、审美，连同绘画的功能一起发生变化。